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Archive for the ‘Cine’ Category

ciberpunk

El mundo actual se encuentra acaecido por la continua idea del mejoramiento social y evolutivo de la humanidad, alojándose utópicamente en la esperanza de la tecnología

El hombre actual se encuentra seducido por su propia capacidad tecnológica, queriendo dejar en esta, toda respuesta y solución a cualesquier problema humanos en todo nivel, la tecnología se convierte entonces en la nueva religión del hombre, fabricando nuevas necesidades y dependencias de esta. En estos momentos vivimos la edad dorada de la ciencia y la tecnología, somos creadores y controladores de tecnología, el gran desarrollo a niveles de entretenimiento, comunicación y producción no tienen comparación con época alguna, pero ¿hacia dónde nos conducirá este desenfreno de desarrollo tecnológico y dependencia social? ; Es esta respuesta de la cual la ciencia ficción y el cine se han sustentado para presentarnos diferentes realidades y futuros posibles.

Aunque los orígenes de la ciencia ficción se remontan al siglo pasado, sus consideraciones no difieren de las formas actuales y de cómo proyectamos nuestro futuro, como un claro ejemplo podemos observar el texto de Mary Shelley Frankestein (1818) nos muestra un mundo donde “promete la oportunidad de ampliar los poderes humanos por medio de la ciencia y a su vez, deshumaniza a las personas a través de la tecnología[i].” La oportunidad de ser Dios ayudado de la tecnología, aunque sus motivaciones son benévolas el resultado es un ser el cual la humanidad no puede manejar ni tolerar.

A partir de los años cincuenta la ciencia ficción se preocupa más por el impacto en la vida diaria y en el destino del planeta. Esta nueva ola, se centraba en temas como la degradación del medio ambiente la sobrepoblación, y la relación entre tecnología y crimen, la drogadicción y sexualidad, es en cierta medida una introducción a las “preocupaciones del ciberpunk por el impacto de la tecnología en el presente no menos que en el futuro[ii], un claro ejemplo donde se ve expuesta la relación de la tecnología con el crimen es en el texto de Philip K. Dick El informe de la Minoría en ingles: The Minority Report (1956).

En este relato K. Dick especula acerca de la predestinación y la posibilidad de alterar nuestro futuro si éste es conocido de antemano, El hilo argumental se basa en la existencia de unos mutantes capaces de predecir el futuro, los precognoscientes o precogs. Éstos son utilizados por la Policía para predecir el crimen y combatir los asesinatos antes de que ocurran.

El protagonista, John Anderton, es el agente encargado de realizar las detenciones. Sin embargo, un día su vida se complica cuando, según los precogs, él será el siguiente futuro asesino. A fin de evitar su detención huye pero, entonces, se le plantea un dilema: si comete (o intenta cometer) el asesinato será detenido, pero si no lo hace pondrá en tela de juicio todo el sistema de precrimen y, con ello, todo su trabajo.

Además de esta paradoja, en el relato se plantea la ironía de que, debido a que los futuros asesinos fueron detenidos antes de cometer el crimen, en realidad, son inocentes.

Llevada al cine por Steven Spielberg este decide en su película terminar con el sistema de los precogs debido a que falla (sin tomar en cuenta su éxito en la tarea de hacer desaparecer el asesinato).

Philip K. Dick, en cambio, refleja en el relato que el protagonista demuestra no sólo su inocencia, sino que el sistema además no tuvo error[iii].

Una de las secuencias de la película donde podemos apreciar más claramente las características del ciberpunk es cuando Anderton que necesita pasar desapercibido debe cambiar ojos para evadir la identificación retinal, cae en manos de un medico que practica la medicina negra o subterránea, pues se observa una alta capacidad tecnológica versus un bajo nivel de vida, la suciedad mezclada con el sexo, comida normal y comida podrida, drogas poderosas etc.

Aunque los personajes clásicos que obedecen al ciberpunk son seres marginados, alejados, solitarios, que viven al margen de la sociedad, (situación que nos evidente en el personaje hasta que es acusado) Sentencia previa contiene muchos elementos propios de este subgénero como futuros distópicos donde la vida diaria es impactada por el rápido cambio tecnológico, una atmósfera de información computarizada ubicua y la modificación invasiva del cuerpo humano.

De esta forma podemos encontrar muchos otros elementos del ciberpunk, en el texto de Philip K Dick como el conflicto entre individuo y un entorno deshumanizado (secuencia de las arañas en la película), pérdida de identidad, trasformación del cuerpo, modificaciones cerebrales, las drogas, alta tecnología etc.

La película también nos lanza a connotar la condición del ciberpunk como movimiento contracultural. Como tal tiene su origen en una tradición libertaria y una profunda desconfianza en el uso de las nuevas tecnología que, si bien pueden proporcionan mayores niveles de comodidad y progreso, también pueden alinear al individuo y ayudar a controlarlo.

Del mismo modo que la fuerza estética del ciberpunk ha influido en otros géneros más allá de la ciencia ficción, la fuerza de sus futuros, claramente distópicos, ha influido en la sociedad modificando nuestro punto de vista acerca de las nuevas tecnologías. Así, siendo una de las funciones de la ciencia ficción alertar a la sociedad de los peligros de sus actitudes, creaciones y de las consecuencias potencialmente destructivas del progreso tecnológico, el ciberpunk ha sido uno de los movimientos más exitosos dentro del género de la ciencia ficción, propiciando así su entendimiento cada días más, como un movimiento cultural.


[i] La Ciencia Ficción y el ciberpunk. Dani Cavallaro pag237

[ii] La Ciencia Ficción y el ciberpunk. Dani Cavallaro pag241

[iii] Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/El_informe_de_la_minor%C3%ADa

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El abogado del diablo una película de Taylor Hackford, que a través del simple argumento de un joven exitoso que es tentado por las mieles del éxito y el poder, desarrolla de una forma interesante la conocida y raída dicotomía entre el bien y el mal.

El personaje de Jhon Milton (Al Pacino) es el motor potenciador del mal por así decirlo, pues en un principio su comportamiento no obedece a ningún acto malvado, por el contrario se nos presenta de una forma seductora, interesante e irónica. Un carácter desconcertante para una figura netamente malvada (el diablo) pero esta construcción de personaje junto al desarrollo de la trama obedece a una idea romántica del ser y del deber ser.

Al mediados y al final de la trama nos encontramos que su carácter revolucionario es incuestionable, las ideas e interpretaciones de dios logran confundir el juicio, el supone una ruptura con una tradición, con un orden anterior y con una jerarquía de valores culturales y sociales, en nombre de una libertad autentica. El pensamiento de libertad absoluta es el ideal romántico, el principio de toda ética romántica: libertad formal en el arte, entendida como necesidad del individuo para explorarse y explorar el mundo exterior, y para lograr la comunicación del Uno con el Todo, en una marcha progresiva hacia el infinito. El romántico se concibe como un ser libre, el cual se manifiesta como un querer ser y un buscador de la verdad. No puede aceptar leyes ni a ninguna autoridad. Y esa representación de la libertad autentica se conduce por medio del mal (creación del anticristo) y la tentación, algo interesante que anotar es que en esta versión el bien no recibe ninguna sustentación o contraposición retórica a los desmandados discursos que lo atacan, podríamos pensar que en este caso el bien es inherente al ser (Kevin) y que la maldad es producto de la corrupción, pero esto también es la idea romántica de convertir al sujeto individual en el punto de vista desde el que había de considerarse el mundo. De modo que el verdadero desarrollo del tema romántico no suele ser el tema externo, sino la vida psicológica íntima (muy evidenciado en la esposa de Kevin). El espacio psíquico se hace cada vez más profundo y abismal. El Yo representado por el texto romántico es, por tanto, inevitablemente, el sujeto autor en el proceso de construirse a sí mismo: el esfuerzo de sobrepasar la conciencia de sí, convulsionada por los azares de la tentación es lo que en gran parte conduce al suicidio de Kevin, pero aquí un suicidio justificado y en este momento donde se reconoce el carácter ambiguo de las ideas del bien y del mal.

La noción del Bien es apenas relativa y fruto de juicio de valor, por lo tanto es subjetiva y sensible de la opinión personal. Según Jung[1], la búsqueda de la santidad es nefasta porque al identificarse unilateralmente con su parte buena, el individuo la juega contra su parte opuesta. Siendo un arquetipo, la sombra tiene poderosos contenidos afectivos, con capacidad de autonomía, obsesión y posesividad que le dan la capacidad de ascendencia sobre la estructura del ego.

En “El vizconde demediado” de Italo Calvino[2], el Vizconde Medardo di Terralba recibe un tiro de cañón en el medio del pecho, en una batalla entre turcos y cristianos, que lo divide por la mitad. Cuando retorna a su tierra natal, la mitad increíblemente mala reina absolutamente hasta que la otra mitad, la buena, reaparece para dejar a todos confusos. Si el pueblo ya no aguantaba las crueldades del medio-vizconde malo, ¿cómo soportar las virtudes de la mitad buena? .La mayor dificultad del hombre es hacerse íntegro, no un “vizconde demediado”. La mayor dificultad es unir los dos lados. Ya que el hombre no mal puro ni bien, el mal y el bien son dos 2 fuerzas que coexisten, son la cara y cruz de una misma moneda, es ilógico pensar en una lucha de poderes, siempre se nos plantea la llamada “lucha entre el bien y el mal” pero son dos condiciones que se definen mutuamente, para saber qué es lo bueno se debe conocer lo malo, la real lucha esta en el ser, la aceptación del bien y del mal como una fuerza conjunta, y es donde el moralismo y la inexactitud ética ha hecho mella. Porque ¿cómo distinguir entre lo que es bueno y lo que es malo? El absolutismo religioso que nos condena por lo malo y que solo concibe un mundo bueno y o malo. La idea suicida es uno de los pecados más señalados por la religión, en la película es una respuesta a la presión ejercida por el mal, de una forma lo justifica como bueno, pero la posibilidad de elegir (libre albedrío) nos trae la idea de que son ajenas al conflicto del ser, pues si no lo fuesen simplemente lo obligarían (Escena final donde Kevin decide no engendrar el anticristo).

¿Y qué tan libre es el libre albedrío? La voluntad humana es la habilidad de escoger entre varias alternativas. Nuestra voluntad decide las acciones basada en un número de opciones. Sin embargo, esto no significa que el poder de decidir se encuentra libre de toda influencia. Usted toma decisiones basándose en su entendimiento, sus sentimientos, sus gustos y aversiones, y en sus deseos. En otras palabras, su albedrío no está libre de usted! Sus decisiones están determinadas por su propio carácter básico. El albedrío no es independiente de su naturaleza sino es un esclavo de ella. Sus decisiones no moldean su carácter, sino que su carácter dirige la toma de sus decisiones. El albedrío es bastante parcial a lo que usted conoce, siente, ama, y desea. Usted siempre escoge basado en su disposición, de acuerdo a la condición de su corazón.[3]

En conclusión no podemos considerar que el bien y el mal luchan, simplemente existen como ideas intangibles, que se ajustan a los juicios de valor, a los achaques morales y el entendimiento ético de cada persona, el bien irónicamente puede suceder en mal y viceversa una idea moderna que obedece al esa evolución romántica que devalúa el absolutismo histórico. El ser en todos sus aspectos es trasgredido por sus opiniones y pensamientos existenciales el relativismo abarca ya, en toda su esplendor todas las condiciones morales, éticas y religiosas que hasta el libre albedrío es relativo a nuestra voluntad. El hombre esta entonces condenado a una lucha perpetua entre tanto no se acepte o se reconozca como ser ambiguo, relativo y finito.

“Si el bien y el mal son las dos caras de una misma moneda es el hombre el que la lanza”.


[1]Carl Gustav Jung http://webspace.ship.edu/cgboer/jungesp.html

[2]Italo Calvino http://www.booksfactory.com/writers/calvino_es.htm

[3] EL MITO DEL LIBRE ALBEDRÍO
Walter J. Chantry http://lumbrera.wordpress.com/2008/07/13/%C2%BFlibre-albedrio/

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Actor: Hugo Weaving
Personaje: V
Película: “V de Vendetta”

vendetta-cine05.jpgEl personaje que interpreta Hugo Weaving (agente Smith en Matrix) en V de Vendetta es el de “V”, un ser sumamente complejo, cargado de motivaciones he ideas, señalado como un loco, un terrorista por algunos y reverenciado como héroe por otros. V es un ser misterioso, que no llegaremos a conocer a fondo en el desarrollo del film (aunque si muchas de sus razones), que despierta muchos sentimientos, en ocasiones sentiremos pavor al verle aparecer, otras veces una irracional confianza he incluso nos hará reír. Weaving realiza una interpretación de mucha calidad, pues a pesar de que lleva una mascara inmóvil durante toda la historia, es capaz de trasmitir sensaciones y sentimientos cargadas de más significado que sí no la llevara puesta.

El trabajo actoral al interpretar este personaje resulta en un ejercicio técnico más que interesante, el hecho de estar enclaustrado detrás de una mascara hace que el actor recurra a otros recursos que le ayuden a enfatizar algunas emociones; se nota entonces como Weaving logra a través de su expresión corporal, acompañar el dialogo, de tal forma que logra capturar el sentido de lo que se dice. Es entonces su cuerpo una herramienta esencial en el desarrollo del personaje, lo peligroso de esto seria entrar en lo histriónico, abusar de los movimientos que definen su personaje, pero el actor es muy puntual en los apoyos corporales que le da a su interpretación.

Es importante destacar el uso de la voz, en la versión original se puede apreciar como el actor utiliza su voz como una herramienta importante en la caracterización del personaje (notaran una abismal diferencia si comparan con la versión doblada), el uso de la entonación se hace presente de manera pertinente a cada circunstancia enfatizando en ella el sentimiento o la emoción que la conduce, además le da más fuerza cuando al mismo tiempo es acompañada con su gestualidad corporal. Algo interesante en la película que reconoce la buena actuación de actor, es la utilización del director de primeros planos, algo que resultaría casi absurdo ante una mascara inmóvil que no rebela ninguna parte del rostro del actor, ni ojos, ni labios, pero el actor resuelve esta situación con el uso expreso de su voz y entonación, haciéndonos olvidar la inmovilidad de la escena para entregarnos al sentimiento de la situación.

Por ultimo su trabajo actoral es apoyado por el equipo técnico del film, que mediante la iluminación y ambientación trabajan con Weaving para darle mayor expresividad a su “inexpresiva” mascara, es entonces la conjugación de estos dos elementos cuerpo y voz, los que soportan en mayor parte la caracterización del personaje (pues por medio del dialogo se nos revela más su parte sicológica que otra cosa) dando como resultado un complejo y expresivo personaje que logra enganchar al espectador hasta el punto de sentir tal identificación con él, que al final de la película no es revelado su rostro, pues no es lo que hay detrás de la mascara sino lo que ella representa y eso se logra entender en la medida de que no se reclama el tener que ver su rostro y en el film se siente de igual forma.

Según Weaving infundir vida a la máscara fue “sin duda alguna un trabajo de equipo, James solía darme indicaciones sobre mi diálogo o mi actuación como si actuase sin llevar puesta la máscara. Fue una idea genial, ya que para que la máscara funcione, es necesario que el personaje tras la máscara funcione”.

En conclusión Weaving logra entonces que “su mascara funcione” una interpretación cargada de emociones y sentidos a pesar de las limitaciones de su atuendo el cual convierte en un poderoso medio de expresión, más que un medio de represión, logra captar la esencia del personaje la cual se ve reflejada contundentemente en la pantalla.

vforvendetta.jpg

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clip_image001.gif DIRECTOR

Orson Welles pasará a la historia como autor de una sucesión de obras maestras que se adelantaron quizá al momento en que se crearon. Entre ellas, la primera aún se mantiene como una de los films más famosos y a la vez polémicos de la historia del cine. Ciudadano Kane, estrenada en 1941 tras muchos meses de escándalos y vicisitudes a muchos niveles, es aún hoy una de las obras más emblemáticas y una de las películas más recordadas que jamás se hayan creado.

Welles fue el novato más afortunado en aquella industria. Y lo de novato es un decir, ya que a la edad de veinticinco años, en la que estrenó Ciudadano Kane, era ya una figura reconocidísima en el teatro y en la radio, en los cuales había obtenido muchos triunfos y también muchos escándalos . Welles remató su precoz trayectoria profesional con la irrupción en el cine, medio que le permitiría demostrar que su genio no se acababa en el escenario o delante de un micrófono, sino que podía extenderse hasta la perfección utilizando como herramienta un lenguaje lleno de nuevas posibilidades aún por descubrir.

Son muchas las cuestiones que contribuyen a ampliar la mitología que alrededor del film se han ido gestando. Para empezar, y si queremos desmenuzar algunas de las claves que explican tan renombrado éxito, hay que destacar que Ciudadano Kane fue la primera de las dos obras que Welles realizaría para la RKO en cumplimiento de uno de los contratos más inusuales y polémicos que ningún estudio hollywoodiense ha otorgado jamás a un director, y mucho menos para la realización de su opera prima. Fue gracias a un productor tozudo, George J. Schaefer, empeñado en fichar al causante de la histeria marciana provocada en Nueva York, que Welles pisó por vez primera Hollywood. El contrato que obtuvo de los estudios fue inédito hasta el momento, y otorgaba al director una envidiable autonomía artística que poco tenía que ver con el control que habitualmente los productores ejercían sobre sus producciones. Welles quedaba obligado a realizar, escribir e interpretar dos films a cambio de gozar de libertad absoluta y poder de decisión en todas las etapas de realización de las dos obras. Era pues del todo normal que Welles fuese mirado con recelo por muchos de los profesionales que entonces trataban de abrirse camino o conservar su estatus en la difícil fábrica de sueños. Una cosa era que un niño prodigio de Broadway deleitase con sus montajes e interpretaciones teatrales, e incluso que se atreviese a escandalizar con sus incursiones radiofónicas, y otra muy distinta era que aterrizase peligrosamente en las colinas de California con un contrato bajo el brazo que ponía en ridículo los esfuerzos de muchos por darse a conocer.

Pero no fue tan sólo el inusual trato de favor hacia Welles por parte de la RKO lo que le propició enemigos dentro y fuera de la misma productora. Ciudadano Kane originó una de las polémicas más encendidas que ha vivido Hollywood a lo largo de su historia. El guión del film, escrito de manera conjunta por el mismo Welles y por Herman Mankiewicz trataba sobre el ascenso y caída de un magnate de la prensa, figura claramente inspirada en el gigante mediático William Randolph Hearst. El pez gordo Hearst desató sus iras en contra del film ya antes incluso de su estreno, al enterarse por sus secuaces periodísticos de que en él se retrataba con descaro los aspectos más sórdidos de su trayectoria profesional y privada . Aunque numerosos ejemplos en el film remiten de manera directa a la figura de Hearst, semejante insulto no podía pasar por alto, y sea por Rosebud o por el patético retrato de su persona, el magnate trató por todos los medios de evitar el estreno del film, llegando incluso a amenazar a altos cargos de toda la industria cinematográfica con hacer públicos ciertos “asuntos sucios” de la vida privada de algunas personalidades de Hollywood (de ahí la famosa frase que parece que dirigió a Louis B. Mayer «si queréis vida privada, yo os daré vida privada»). El film, afortunadamente, llegó a estrenarse, con un enorme éxito de crítica que, desafortunadamente, no correspondió con el mismo éxito de taquilla.

No sería justo  valorar la obra desde la perspectiva que el cine actual nos da. No hay que olvidar que para un espectador de los años cuarenta, la televisión era todavía un sueño lejano y una obra de las características de Ciudadano Kane debió suponer una revolución formal de difícil aceptación inicial por el público. Pero Orson Welles no fue un incomprendido; por el contrario, su genio era ensalzado y reconocido por cualquier experto en el arte del cine. El problema con el que lidió Welles fue la extrema inadecuación que sus obras tuvieron, no ya sólo con respecto a un público aún poco preparado para su visionaria capacidad creativa, sino también hacia una industria que poco interés tenía en la pobre recaudación de sus films.

clip_image002.jpgGUION

Toma como referencia una historia de la vida real, la del magnate William Randolph Hearst y la adapta omitiendo ciertos aspectos y agregando otros, para crear de este modo un personaje que no es el verdadero pero guarda cierta  similitud con el original.

Orson Welles y Herman Mankievicz construyen un personaje basado en la ironía y el sentido del humor burlesco, y logran mostrar una faceta muy humana de Kane, consiguen crear una identidad desde lo humano, nos muestra un personaje en su cotidianidad  que a pesar de tenerlo todo materialmente, tiene un vacío emocional en su vida.

El guión maneja tanto el pasado como el presente, por lo cual hay insertos del pasado en una historia que aunque no aparenta ser lineal, si lo es, pues en primera instancia se muestra el video de Kane que hacen los periodistas y luego la realidad de los periodistas que se entremezcla con la historia real de la vida de Kane.

En el ciudadano Kane,  se observa  como, la  escena  de apertura es una de las más importantes para el guionista, (Herman Mankievicz) debido a que hacen alusión a la idea principal que se va a desarrollar en la  película.  La consideramos también  como la más importante, por que  el manejo de la escena es exelente. También podemos observar el enganche que esta  parte de la película le da al espectador; le permite usar su imaginación para tratar de descubrir el sentido real de la historia.  Ese es uno de los principales objetivos del guión.

En términos de guión también debemos  resaltar el punto de giro.  Este provoca expectativas en el espectador, las cuales ya venían adquiriendo fuerza desde el mismo momento del planteamiento y confrontación de la historia. Como ejemplo podemos resaltar uno de los giros que le dio un rumbo diferente a la historia.  La ocasión en la que  Kane es sorprendido con la cantante.  Este suceso genera un cambio radical en el destino Kane. 

kane.JPGMONTAJE

Desde la estructura narrativa: Welles utiliza una estructura narrativa lineal, con saltos en el tiempo para contar su historia pero con un elemento inicial que capta la atención del espectador: el planteamiento de lo que se va a tratar en la historia, es decir, cuando parte de la muerte de Charles Foster Kane en donde pronuncia su última palabra “Rosebud” (que es el hilo conductor de la historia) en su lecho de muerte y posteriormente, cuando se presenta todas las noticias que surgen por la muerte del magnate Kane, con el fin de contextualizar y hacer que el espectador conozca al personaje del que se va a hablar.

  • Ocultamientos del hilo conductor de la historia: El hilo conductor de la historia es el descubrimiento de la palabra “Rosebud” (capullo de rosa) que desde el principio de la película se le da a conocer al espectador y sólo al final se le da significación, al conocer que la palabra hace referencia a su infancia perdida.
  • Fundidos encadenados: (recordemos que el montaje estuvo a cargo de Robert Wise) utiliza esta herramienta para conectar escenas del pasado con las del presente, y también conectar escenas que pertenecen al mismo tiempo cronológico. Como un ejemplo de esto encontramos la secuencia del comedor, donde se utiliza la misma ambientación y la posición de los personajes con el fin de mostrar el paso del tiempo mediante los fundidos.
  • Archivo de tomas: enlaza situaciones con imágenes y con el paso del tiempo, dándole continuidad a la historia. Por ejemplo, cuando aparece con Hitler; se puede deducir que es una toma ya existente, de carácter histórico que apoya la historia.

toland.JPGDIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

  • Claroscuro: es importante resaltar que al ser una película hecha en blanco y negro, el manejo de la luz que le da Gregg Toland es fundamental para la toma, porque le brinda mayor dramatismo y énfasis a las situaciones, además da un significado específico.
  • Profundidad de campo: siempre se muestran enfocados todos los elementos y personajes que estan involucrados en la escena, para de esta forma indicar que no sólo es protagonista quien habla en el momento, aunque éste se encuentre en primer plano.  En la escena en la cual los padres de Kane están discutiendo entregar la custodia de su hijo, vemos a Kane jugando al fondo a través de la ventana, mientras observamos al padre y al banquero que va a cuidar al niño en un segundo plano y a la madre en primer plano (todos enfocados).
  • Planos: se tiende a utilizar siempre planos generales, pero en ocasiones recurre al primer plano, sin embargo, cuando lo hace (utilizar PP) enfoca el fondo.  Usa también planos contrapicados siempre que enfoca a Kane, para darle mayor grandeza, incluso en la escena en la que se siente derrotado.
  • Objetivos: al inicio de la película se usa un objetivo Ojo de pez, para hacer la toma del reflejo de la esfera que Kane tiene en su mano.

kane2.JPGDIRECCION DE ARTE

  • Vestuario: es realista, va de acuerdo a la época y el contexto en el que se desarrollan los hechos.  Cada vestuario corresponde a la condición social de cada personaje.
  • Maquillaje: es asombrosa la transformación que van sufriendo los personajes con el paso del tiempo.  El maquillaje es  muy bien elaborado, es limpio, no se nota como algo falso, gracias a la utilización del claro oscuro.
  • Locaciones: no se deja nada a la ligera, están bien construidas y se enfatiza mucho en los pequeños detalles como las lámparas y los cuadros.
  • Actuación: las actuaciones son dramáticas, buscan afectar al espectador en lo emotivo, por  medio de las expresiones.  Además, los personajes están tan bien caracterizados desde el guión (Herman Manhievicz lo escribe) que no se traicionan, siempre actúan según su historia de fondo. 

Aunque no puede pasarse por alto que los personajes van        evolucionando, si mantienen su misma esencia.  Es importante resaltar, que el papel de Kane es realizado por Orson Welles, que cumple el papel de actor y director.

musi.JPGMUSICA

La música siempre va apoyando a  la imagen, sirve de acompañamiento.  Al inicio cuando se muestra la mansión de Xanadú, la música es misteriosa y se combina con la exuberancia del lugar, y en el momento en que la cámara enfoca la ventana se detiene la música y se apaga la luz.

También en ciertos momentos, en los que Kane aparece en público y todos los aclaman, la imagen está acompañada por una música cómica, que trata de hacer una burla sarcástica a la situación.

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la_gente_de_la_universal1.jpg La Gente de la Universal es un film que trata de traición, infidelidad y venganza, todo esto contado por medio de un humor negro. Esta comedia se aleja del relato rural y nos introduce a una selva urbana, una ciudad agresiva y real, donde sus habitantes parecieran estar habituados a la mentira y  la traición.

La historia se desarrolla poco a poco gracias a la mezcla del amor, la traición y un creciente deseo de venganza, que generan situaciones graciosas que al ir uniéndose, desencadenan el derrumbe de los personajes.

En esta película podemos apreciar también, como la construcción de los personajes se hace de tal manera que, narrativamente la historia es enriquecida por personajes que aparentemente no podríamos catalogar como malos y que gracias a esa justificación de sus propios actos, permite que se puedan entrelazar y crear diferentes situaciones que aportan de manera significativa al ritmo y consecución de la historia en la película.

A pesar de tocar el tema de la infidelidad y mostrar esa doble moral en los personajes, la película no hace referencia a una marcada moraleja, los diálogos están lejos de ser moralistas o de tener una carga dramática fuerte, todo lo contrario, se recurre a un lenguaje cotidiano y hasta coloquial.

La historia nos es planteada de una forma lineal, la factura del film es buena (como dice el profesor, esa etapa ya fue superada), la propuesta estética de esta película es muy importante, se aleja mucho de lo que comúnmente estamos acostumbrados a ver en nuestro país, esto lo notamos desde el manejo muy creativo de la cámara, donde se utilizan cantidad de movimientos, todos ellos acordes con la acción que transcurre en esos momentos, además que narrativamente logran decir algo y que mezclados con ese humor negro le aportan mucho a la propuesta visual del film.

Argumentalmente la película, crea un ambiente verosímil para contar una historia, púes no es fácil proponer una historia de detectives en nuestro país, donde la cultura o mas bien el concepto de detective he investigación privada, es muy lejano a la cotidianidad de las personas, al mismo tiempo que logra alejarse de esa ambientación policial, obscura, un poco lúgubre donde normalmente nos imaginaríamos una historia de este tipo.

Para mí es una buena película, el uso del humor es pertinente, ni se exagera ni pasa al ridículo, el deseo de venganza que se nos propone desde el principio por Gastón pasa a ser un concepto que aparte de funcionar como un motor motivador en la película, resuelve la trama de una manera muy apropiada, acorde de pronto con ese universo casi amoral que promueve la película; y la cámara que no puede faltar, que en algunas tomas, casi pareciera un personaje más de la historia. En general la película me gusta mucho y esta bien lograda y es una propuesta un poco diferente que hace una buena utilización de los recursos cinematográficos para contar una historia.

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fresa.jpg Fresa y Chocolate es una película que trata de la relación de dos personajes (Diego y David) enmarcada en el régimen comunista cubano, la tolerancia, la amistad, y la política son temas claves, que recorre la situación vivida por los personajes.

La película esta narrada de una forma lineal, no juega con estructuras narrativas complicadas, se centra en la historia que nos cuenta, es clara y precisa a la hora de contar, la resolución de las tramas propuestas es bien hecha, no deja cabos sueltos, ni tampoco nos inunda con una cantidad de personajes y situaciones innecesarias. Los recursos técnicos son notoriamente limitados pero esto no impide la consecución de una buena historia.

Los diálogos de este film son una característica importante que debemos nombrar, la temática que tocan, lo interesante de esto, es que exponen una problemática social que ocurre en el régimen, pero no aborda una posición política, es una critica, sí, pero una critica que habla sobre  la evolución de un pensamiento revolucionario y no un empalamiento contra régimen. Otro aspecto interesante también que se abordan desde los diálogos, son la cultura y la religión, algo que le agrega un toque de humor, la charla con los santos, y hasta con la nevera de Diego, nos permite abrirnos hacia los temas del film y marcar algunas cuestiones propias de la cultura cubana.

El guión es una de las características mas valoradas sobre film, basado en el cuento de Senel Paz El Lobo, el bosque y el hombre nuevo, ha sido ganador de vario premios; el guión nos lleva por una historia que conmueve, que habla de una declaración de principios, de la dignificación, de la intolerancia colectiva, de los ideales y las diferencias, un guión de gran valor social a la hora de exponer este tipo de temas y a la vez de gran inteligencia a la hora de criticar sin señalar (me imagino que gracias a eso, no la censuraron).

Los personajes de la historia son caracterizados de forma excelente, esa contraposición de un estudiante idealista, con unos lineamientos políticos definidos, heterosexual y hasta cierto punto homofóbico y un homosexual maduro, intelectual, con un optimismo aparente ante la situaron opresiva que vive; se ven mezclados en una relación de amistad y aceptación de el uno con el otro, las diferencias políticas hacen que esta relación de una u otra forma evolucione a través de la historia hasta el punto en que, lo que se ve en el final, es todo un proceso de crecimiento personal que enseña, he invita a reflexionar.

La Cámara que no puede faltar nos estimula a intimar con los personajes gracias a la utilización de encuadres cortos que centran a nuestra atención a lo que ocurre en entre personajes, aún así el film no es visualmente pesado, una ambientación sencilla y una musicalización que aporta  a la narración hacen de la película llevadera y agradable.

En conclusión, para mí es una muy buena película, me pareció muy inteligente a la hora de hablar del régimen, el ritmo de la película es pertinente a la forma en que, expone sus argumentos y está realizada, el humor es fino, no raya en lo ridículo y el final de la película es acertado a la hora de resolver, un claro ejemplo de cómo se puede contar una historia sin la necesidad de grandes recursos.

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La Primera NocheLa Primera Noche es una película que nos narra una historia de amor, enmarcada en ese éxodo forzado del campo a la ciudad, las peripecias de dos campesinos que hacen todo lo posible para sobrevivir. El sufrimiento, la desilusión, y el desengaño son ingredientes claves en la relación de Toño y Paulina.  

La película nos habla entonces de una desgarradora tragedia, desde un principio nos sumerge en una mirada realista llena de contrastes y dicotomías, 2 hermanos que van a la guerra uno en el ejercito y el otro en la guerrilla ,uno de ellos desea estudiar (Toño) mientras el otro se decide por una vida sin educación, una historia de amor que por un lado obedece al deseo y la pasión y por el otro vemos la devoción del amor puro, esto entonces nos propone una valoración de que lo esta bien hecho y lo que esta mal pero a su ves nos muestra que como la vida juega con estas valoraciones sobra decir de los contrastes obvios que se generan entre la ciudad y el campo expresados de una forma mas visual que por diálogos, podemos ver esto desde los carteles en la vitrina al frente de la que se instalan los 2 protagonistas: “Viaje al fin del mundo”. 

La mayoría de los planos son cerrados y acercan la mirada de una forma dolorosa a las circunstancias que allí acontecen. La cámara subjetiva describe el miedo del soldado al que persiguen los paramilitares y luego los mismo militares, es la visión de una persona acorralada por el miedo es una visión con la cual los colombianos estamos familiarizados, muchas escenas son semblanzas de la vida nacional (como la del sargento que hace caso omiso a las advertencias de Toño).

En la película no se nos presentan alegatos ni discursos moralistas, la descripción narrativa es suficiente para entender la situación en la cual se encuentran los personajes. El guión esta elaborado de una manera perspicaz he inteligente ya que lleva al sugerir  mas no al concluir, aprovecha la realidad y la muestra, no se preocupa entonces por exagerarla y llevarla a extremos dramáticos que puedan rayar con la ficción y alejar al espectado de esa idea relato real. 

La culminación de la película nos lleva a un final abierto un final un poco lejos de lo que el espectador esperaría, un final que es fiel con los personajes, que le hace justicia a lo a acontecido, que nos habla de un destino impredecible, de la suerte con la que se sobrevive, un final en el cual se nos muestra de una manera fiel y cruda esa batalla que de antemano tenemos perdida contra la muerte.

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